23 octubre 2014

Weird Al Yankovic


Hoy cumple 55 años el músico, humorista y cantante Weird Al Yankovic, famoso por sus parodias musicales. Su método parece simple: se toma el título de una canción de éxito, y se modifica de tal modo que suene ridículo o satírico. Acompáñalo de una letra graciosa que tenga relación con el nuevo título y graba un video igualmente gracioso con el tema resultante. Yankovic lo ha usado durante más de una década para establecerse como el principal cantante de parodias y canciones satíricas del pop norteamericano.

Nacido en Lynwood (California) de la pareja formada por un norteamericano de origen yugoslavo y una anglo-italiana, el pequeño Al comenzó a tocar a los siete años el acordeón y sería este aprendizaje el que le ayudaría a dar el primer paso en su estrellato musical. En 1979 ya era un estudiante de arquitectura que además colaboraba como disc-jockey en la emisora del campus. Un día, tras oir el hit de The Knack 'My Sharona', se metió con su acordeón en el aseo de caballeros de la emisora y grabó la parodia 'My Bologna'. Al mandó la grabación al programa de radio del Dr. Demento, un disc-jockey especialista en radiar grabaciones extrañas, oscuras e inéditas.

'My Bologna' fue un hit inmediato entre la audiencia del programa. Incluso los componentes de The Kanck lo encontraban ingenioso y se ocuparon de que Capitol le firmara un contrato de seis meses a Yankovic. En 1980 tenía lista su segunda parodia: 'Another one rides the bus', que satirizaba el tema de Queen 'Another one bites the dust' y fue el corte más solicitado en el show del Dr. Demento. Allí, Yankovic llamó la atención de Jay Levey quien se convirtió en su mánager y le convenció para formar una banda que arropara mejor sus canciones.

Yankovic firmó con Rock'n'Roll Records para grabar su primer álbum, 'Weird Al Yankovic', publicado en 1963 conteniendo sus nuevas parodias, entre ellas 'Ricky', en la que sobre la melodía de 'Mickey' de Toni Basil, Yankovic elaboró una letra satírica sobre Ricky y Lucy Ricardo, personajes de la serie de TV 'I love Lucy'. El single entró en el Top100 y su correspondiente video fue la presentación de Al en el canal MTV. Su mayor éxito llegó en 1984 cuando 'Eat it', su parodia del hit de Michael Jackson 'Beat it' alcanzó el Top20 y le hizo merecedor de un Grammy por mejor grabación cómica. El video también consiguió hacerse muy popular imitando los escenarios y bailes del video original.

Cuatro años después parodió otro tema de Jackson, titulando uno de sus álbumes 'Even Worse' (Todavía peor), en repuesta a 'Bad'. El video del single que se editó, 'Fat', logró un segundo Grammy para Yankonvic. En su grabación se sometía a tres horas de maquillaje que le transformaban en una grotesca imitación de un Michael Jackson muy pasado de peso. Evidentemente, para poder realizar estas parodias, Yankovic debía obtener el permiso de Jackson para el uso de sus canciones, pero este no puso problemas y parecían gustarle las obras de Yankovic, demostrando tener un gran sentido del humor.

No fue el único y muchos otros artistas y compositores demostraron poseer el mismo sentido del humor. A lo largo de los años Yankovic ha escrito parodias y grabado videos de temas de Madonna ('Like a surgeon'), Police ('King of suede'), Cindy Lauper ('Girls just wanna have lunch') y Greg Kihn ('I lost on Jeopardy') entre muchos otros. Otros, en cambio, como fue el caso de Prince, Jimmy Page, Paul McCartney y James Blunt, a pesar de declararse todos fans de Yankovic, no dieron su permiso.
La popularidad que alcanzó en esta época le permitió protagonizar y presentar diversos shows de TV a mediados de los ochenta.


En sus álbumes no sólo demostraba su especial talento en escribir letras sobre la melodías de otros. También incluía composiciones originales en las que sus satíricas letras diseccionaban diversos aspectos de la sociedad estadounidense, como 'Mr Popeil', 'I'm stuck in the closet with Vanna White' o 'Velvet Elvis'.

El single que dió título a su álbum de 1985 'Dare to be stupid' reflejaba al despistado norteamericano medio, En una entrevista Yankovic manifestaba: "Mis canciones versan sobre aspectos importantes de la sociedad y la cultura popular, como la televisión y la comida". Cuando se le pregunta porqué no se concentraba en componer sólo canciones originales, Al respondió: "El público espera que interprete parodias. Cuando toco una original, la gente viene y me dice: 'Ha estado muy bien Al, pero ¿a qué canción parodia?'"

En 1989 co-escribió y protagonizó el film 'UHF', una película que Yankovic describió como "una mezcla de 'Qué bello es vivir!', 'Purple Rain' y 'La matanza de Texas'". No obstante, continuó grabando sus álbumes satíricos en los años noventa, consiguiendo nuevos hits, como 'Smells like Nirvana', incluido en el álbum 'Off the Deep End' de 1992, que logró alcanzar el Top40 de las listas de pop en Estados Unidos.
Siguieron los álbumes 'Alapalooza' (1993) y 'Bad Hair Day' (1996), cuyo single 'Amish Paradise', una parodia de 'Gangsta paradise' de Coolio, ayudó a convertir el álbum en su trabajo más vendido hasta entonces.

En 1999 salió a la venta 'Running with Scissors'. Su publicación de 2003, 'Poodle Hat' debutó en el puesto 17 de las listas Billboard de álbumes y le supuso a Yankovic su tercer Grammy. Incluía parodias de canciones de Eminem, los Backstreet Boys, Billy Joel y otros, conteniendo asimismo temas originales. Mayor éxito aún tuvieron 'Straight Outta Lynwood' (2006) y 'Alpocalypse' (2011) que alcanzaron los puestos 10 y 9 respectivamente de las listas Billboard de álbumes. Por fin, su décimocuarto álbum aparecido en 2014, 'Mandatory Fun' fue nº1.

Dwight Yoakam


Hoy cumple 58 años el actor, cantante y compositor country Dwight Yoakam nacido en Pikeville (Kentucky). Su álbum debut de 1986 'Guitars, Cadillacs, Etc', fue el primero de tres números uno consecutivos en las listas country y también fue un éxito en las listas pop, estableciendo a Yoakam como un travieso expatriado de Nashville con acento californiano, mitad Buck Owens y mitad Buddy Holly.

Desde entonces ha publicado once álbumes más con éxitos country como 'Honky tonk man' (1986), 'Little ways' (1987), 'Streets of Bakersfield', 'I sang Dixie' (1988), 'I got you' (1989), 'You're the one' (1991), 'Ain't that lonely yet' (1993) -por la que recibió un Grammy-, 'A thousand miles from nowhere' y 'Fast as you' (1993).
Ha recibido numerosos premios de la Country Music Association, reconociendo su ayuda para recuperar las raíces honky-tonk de un género que en los setenta y ochenta había sucumbido a los excesivamente pulidos sonidos urbanos. Yoakam no ha estado asociado únicamente a la música country. En varias giras tempranas actuó junto a bandas punk como Hüsker Dü y ha versionado temas de Grateful Dead, Queen, Clash, Presley y Cheap Trick.

Yoakam en 'Sling Blade'
Dwight también es un solicitado actor ('Sling Blade', 'La habitación del pánico', 'Los tres entierros de Melquiades Estrada', 'Bandidas') y suele dirigir sus propios videos. El año 2000 dirigió, protagonizó y escribió la banda sonora de 'South of Heaven, West of Hell' un western que co-protagonizaron Peter Fonda, Bridget Fonda, Billy Bob Thornton, Warren Zevon y Vince Vaughn. Tras publicar 'Blame the Vain' en 2005, tardó siete años en publicar su nuevo y más reciente álbum: '3 Pears'

Toshio Hosokawa


Hoy cumple 59 años el compositor japonés Toshio Hosokawa, nacido en Hiroshima. En 1976 viaja a Berlín Oeste para estudiar piano, con Rolf Kuhnert y teoría de la música, con Witold Szalonek en la Hochschule der Künste. (Universidad de las Artes)

En 1980 participa por primera vez en los Cursos Internacionales de Verano de Música Nueva de Darmstadt. Desde entonces sus obras han sido interpretadas en toda Europa y Japón, adquiriendo reputación internacional. Galardonado en numerosas ocasiones, Hosokawa ha recibido el Primer Premio del Concurso de Composición por el centenario de la Filarmónica de Berlín (1982), el Premio Arion (1984), el Premio Kyoto (1988), el Premio de Rheingau (1998) y el Premio de Duisburg (1998), así como el Premio música viva del ARD y del BMW AG (2001). En 2001 fue nombrado miembro de la Academia de las Artes de Berlín.

Hosokawa ha sido invitado, como compositor y profesor, prácticamente por todos los grandes festivales de música contemporánea, y en especial: Cursos Internacionales de Verano de Música Nueva de Darmstadt, Bienal de Venecia, Bienal de Munich, Academia Internacional de Verano del Mozarteum de Salzburgo, Semanas Internacionales de Lucerna, música viva de Munich, Klangspuren de Schwaz, Música Nova de Helsinki, Centre Acanthes de Villeneuve-lès-Avignon y Otoño de Varsovia.
Desde 2001 Hosokawa es director musical del Takefu International Music Festival y desde 2004 profesor invitado del Tokyo College of Music. Ha sido “composer in residence” del DSO Berlin en la temporada 2006/2007 y del WDR Rundfunkchor Köln en 2006-2008. Hosokawa ha sido además “fellow” del Wissenschaftskolleg zu Berlin en las temporadas 2006/2007 y 2008/2009.

'Koto' o arpa japonesa
Bajo formas de aliento europeo, en la obra de Hosokawa palpitan tradiciones japonesas entendidas de manera viva y dinámica. La métrica de su poesía, la caligrafía desde el gesto y la energía iniciales hasta el último trazo, la dicotomía entre sonido y silencio, el zen, el espíritu del teatro “Nô” y el uso de instrumentos nipones como el “koto” o el “shô”, se dan cita en una música que brota, se expande y se repliega sobre sí misma como si fuera un ser vivo, naturaleza sonora impregnada de la vaporosa neblina de los bosques japoneses.

Desde muy joven se sintió fascinado por la creación contemporánea occidental y se trasladó a Europa para estudiar con Ysang Yun y con Klaus Huber. Fue el coreano quien le instó a descubrir la música tradicional de su país natal, por la que hasta entonces no había sentido demasiado interés. Además de Yun, se reconoce deudor de otras dos figuras imprescindibles: su más ilustre predecesor japonés, Toru Takemitsu y su íntimo amigo Helmut Lachenmann. “La música debe aspirar a lo elevado”; con estas palabras Toshio Hosokawa explicaba en una entrevista su deseo de alejarse de las estéticas de otros compositores. La verdad es que en su propio país la música clásica japonesa ha estado limitada a un aspecto funcional, siendo interpretada sólo durante las festividades religiosas en los templos o en las ceremonias de matrimonio: se trataba por lo tanto de una música ceremonial que haría su primera entrada en el universo musical, con ocasión de actos oficiales, en países extranjeros. Durante largo tiempo esta vía le sería inaccesible en Japón, donde a causa de su condición de música de la corte imperial estaba destinada sólo al emperador, oculta tras los muros de palacio y lejos de los oídos del pueblo.

'Shô', instrumento de viento japonés
Los elementos que Hosokawa ha tomado del “gagaku” para su propia expresión musical son en primer lugar el trazo, de gran solemnidad, pero también ciertas figuras rítmicas como la pulsión acelerada del tambor “kakko” o la estructura generalmente heterofónica de su lenguaje musical: las gamas armónicas, largamente sostenidas, son así individualmente “establecidas” por las distintas voces orquestales; o dicho de otro modo, cada instrumento despliega sus propias líneas según un catálogo limitado de sonoridades, válido para todos. Si la homofonía estuviera representada por la vertical y la polifonía por la horizontal, el método heterofónico de Hosokawa lo estaría exactamente por la diagonal.
En estos paisajes sonoros, privados por tanto de evolución, Hosokawa no deja sin embargo de explorar una sorprendente diversidad, reveladora por otra parte de una metodología extremadamente sencilla.

Familia de 'shakuhachis'
La capacidad de Hosokawa para transformar lo escaso en abundante esconde, por una parte, su gran dominio de las técnicas compositivas occidentales y, por otra, su raigambre en esa cultura japonesa de la simplicidad, de la pureza e incluso de la pobreza. Aportemos un ejemplo: cuando las tres notas superiores y las tres inferiores de un acorde son permutadas por una octavación invertida y este simple procedimiento crea un tipo de tensión novedosa, generando un campo armónico también original que proporciona accesos inéditos a un nuevo universo de signos y una riqueza sonora de insospechada variedad, se nos muestra con claridad, entonces, que esta música no quiere nada, que no “persigue” nada y que no aspira a nada. Una música coherente consigo misma, con su propia belleza. Y por supuesto, con su propio sentimiento de elevación.
No por casualidad el concierto para flauta y orquesta “Per-Sonare” (1988) es la primera composición de Hosokawa para instrumento solista y orquesta; la flauta es el único instrumento europeo cuyas sonoridades podrían compararse hasta cierto punto con las de su equivalente japonés. Claramente puede percibirse que el sonido del “shakuhachi” (flauta de bambú) ha inspirado esta música con sus sonoridades agrietadas, a menudo ruidosas, en las cuales se funden el sonido del instrumento y el aliento del soplo: “per-sonare”.


El compositor Japonés, recrea la experiencia de sus padres y vecinos ante el estallido de la bomba atómica, en “Hiroshima Requiem”, (1989 y 1991). “Death and Resurrection” , recientemente actualizó la partitura con una nueva versión. Según Hosokawa: “La bomba atómica fue un suceso contra la naturaleza. Causa horror que el ser humano fabricara semejante monstruo. Un monstruo como Fukushima del que, por cierto, nos hemos servido mientras funcionaba. Me interesa cómo se puede vivir en armonía con la naturaleza, por eso compuse aquellas piezas. No se trata de un pronunciamiento político, sino de una forma de expresar mi rechazo contra esos hechos. Y sí, aún es pronto, pero en el futuro escribiré algo sobre lo que acaba de ocurrir en mi país.”

El concepto de sonido como paisaje ha proporcionado al concierto para arpa y cuarteto de cuerdas de 1993 su título, “Landscape II” (1992), que forma parte de un ciclo de composiciones para diferentes combinaciones instrumentales. La simplicidad de las técnicas evocadas parece evidente –aún resultando evidente también el modo en que el compositor, por el recurso a esta simplicidad, encuentra todo tipo de soluciones–. Los elementos se reducen principalmente a dos gestos sonoros diferentes: un continuo horizontal/diagonal en la zona dinámica generalmente inferior y unos cortes verticales, extremadamente potentes y agudos, que recuerdan a rudas rocas destacando sobre un paisaje de suaves relieves. Hosokawa ha estudiado atentamente la conjunción de tales gestos sonoros en una serie de obras camerísticas, “Vertical Time Studies”.

'Monje a la orilla del mar', de Friedrich
El concierto para piano “Ans Meer” fue estrenado en 1999 con ocasión de la entrega del Premio de la Música de Duisburgo a Hosokawa; la obra está dedicada al pianista Bernhard Wambach. La obra retoma y adapta otra anterior, el “Concierto para saxofón y orquesta” (1998), en el que el compositor reúne los gestos sonoros antes mencionados dentro un repertorio propio de técnicas pianísticas. Hosokawa se inspiró en la obra pictórica “Monje a la orilla del mar”, de Caspar David Friedrich para componer este concierto. La orquesta debe disponerse con la sección de cuerda, el arpa y la percusión a la izquierda, mientras que las secciones de viento madera y viento metal se sitúan a la derecha. El sonido se desplaza de un lado a otro, como olas, según palabras del compositor.
Sus composiciones incluyen obras para orquesta, Conciertos de música de cámara, música para Instrumentos tradicionales japoneses, Bandas sonoras de películas, óperas.

Obras destacadas:
Escena de 'Hanjo'
Operas
- “Vision of Lear” (1988)
- “Hanjo” (2004)
- “Matsukaze” (2011)

Oratorios
- “Voiceless Voice in Hiroshima” para solistas, narradores, coro y orquesta (1989/2001)

Orquesta y Música de cámara
- “Banka, para voz y jûshichigen” (1989)
- “Nocturne”, para “jûshichigen” (koto de 17 cuerdas) (1982)
- “Ferne Landschaft” (1987)

- “Memory” (1996), violoncello y piano, que es tal vez la más conocida de Hosokawa. El subtítulo “A la memoria de Isang Yun”, nos sirve para comprender el agradecimiento y el amor de Hosokawa por quien fuera su gran maestro en Berlín.
- “Silent Flowers” para cuarteto de cuerda (1998)
- “Concierto para clarinete” (2000)
- “Deep Silence” (2002), duetos para “sho” y acordeón que incluye:
“Cloudscapes - Moon Night”
• “After a drawing” of Rudolf Steiner
“Sen V”

- “Circulating ocean” para orquesta, (2005) 1/2, 2/2
- “Moment of Blossoming” para trompeta y orquesta (2007) (Berliner Philharmoniker, dir. Simon Rattle)
-“Viaje X” (para “shakuhachi”), creado en junio de 2009 como parte de MusikFabrik Bachfest Festival de Leipzig.
- “Ave María”
- “Canto, para violonchelo y orquesta” estrenada en abril de 2009 en Colonia.
- "Noche desangelada, noche gemela desde la torre" (2009) "Vuelan las sonrisas de Clara Ivanna hacia la noche transfigurada"
- “Für Walter” para soprano, saxofón, piano y percusión (2010).

22 octubre 2014

Leslie West


Hoy cumple 69 años el guitarrista, cantante y compositor de rock norteamericano Leslie West, conocido por ser miembro fundador en los años sesenta de la banda Mountain, uno de los grupos considerados precursores del heavy metal. La revista Rolling Stone opinó cuando aparecieron: "Son como una versión de los Cream más ruidosa y con más volumen"

The Vagrants
Aunque nacido en la ciudad de Nueva York, Leslie Weinstein, se crió en diversos sitios como Hackensack, East Meadow, Forest Hills y Lawrence. Cuando sus padres se divorciaron, se cambió el apellido a West y comenzó su carrera musical con The Vagrants, un grupo de R&B blanco formado en el corazón de Nueva York, que tomaba como modelo la música de los Rascals. The Vagrants tuvieron dos éxitos menores en la costa Este estadounidense: 'I can't make a friend' (1966) y una versión de 'Respect' en 1967.

Algunos de sus discos estaban producidos por Felix Pappalardi, quien se encontraba trabajando asimismo en el álbum 'Disraeli Gears' de Cream. En 1969 West y Pappalardi formaron el grupo Mountain, el mismo nombre que recibiría el primer álbum de Leslie West en solitario. Con Steve Knight a los teclados y el baterista N.D. Smart, la banda apareció el segundo día del Festival de Woodstock de 1969, interpretando once temas. West y Pappalardi tocaban la guitarra y el bajo respectivamente, y compartían la voz solista. El nuevo baterista Corky Laing sustituyó a Smart en 1970 y grabaron tres álbumes hasta el año siguiente en el que se disolvieron, con algunos éxitos como 'Mississippi queen' y 'Theme for an imaginary western', compuesta por Jack Bruce.

Jack Bruce y Leslie West en 1973
En 1972, West y Laing se asociaron con Jack Bruce y formaron el trio West, Bruce and Laing, grabando con esta formación dos álbumes de estudio, 'Why Dontcha' (1972) y 'Whatever Turns You On' (1973). Tras la publicación del álbum en vivo 'Live'n'Kickin' (1974) se anunció el fin oficial de la banda. Ese año se reformó brevemente Mountain, volviendo Pappalardi a hacerse cargo del bajo y la segunda voz solista y, aunque la aventura solo dio para un par de álbumes -el directo 'Twin Peaks' y 'Avalanche'-, desde 1981 West y Laing han reformado Mountain en diferentes ocasiones y con diferentes bajistas hasta nuestros días en los que siguen actuando como trío.

'Man's World' (1996)
Desde entonces han publicado cuatro álbumes más: 'Go For Your Life' (1985), 'Man's World' (1996), 'Mystic Fire' (2002) y 'Masters of War' (2007), un álbum con versiones de temas de Dylan y una colaboración especial de Ozzy Osbourne. West, que cita a Clapton como una de sus mayores influencias, ha sido citado a su vez por Johnny Ramone como uno de los cinco mejores guitarristas de la historia. En 1975 Leslie West publicó su segundo álbum en soliario, 'The Great Fatsby', que contó con la insólita colaboración de Mick Jagger a la guitarra.

En su siguiente trabajo 'The Leslie West Band' (1976), fue Mick Jones -antes de formar Foreigner- el que colaboró con las guitarras. A finales de los años setenta, su dependencia a las drogas le pasó factura y Leslie pasó unos años desintoxicándose. A partir de la mitad de la década de los ochenta, además de su trabajo con Mountain, West siguió publicando álbumes en solitario entre los que destacan  'As Phat as it Gets' (1999), 'Got Blooze' (2005), 'Blue Me' (2006), 'Unusual Suspects' (2011). En junio de 2011, West sufrió la amputación quirúrgica de la pierna derecha a la altura de la rodilla por complicaciones con su diabetes. El 31 de enero de 2012, West tocaba de nuevo en directo sobre una silla de ruedas, y se preparaba para salir de gira. Su trabajo más reciente fue 'Still Climbing', aparecido en 2013.

21 octubre 2014

Tim Wildsmith


Hoy cumple 32 años el cantautor norteamericano nacido en Atlanta (Georgia) Tim Wildsmith. Comenzó en el circuito de música cristiana de Omaha (Nebraska) y el año 2005 publicó su primer álbum, 'Come Out Clean'. En 2006 se asocia con Jason Burkun, un amigo productor ganador de un Grammy, quien le anima a grabar un álbum dirigido al mercado pop y en julio de 2007 apareció 'A New Morning', con temas que recordaban a Ryan Adams o Damien Rice.

The Foresters
Su tercer álbum, 'Little Armor', financiado en parte por los fans -cuya ayuda solicitó en una página web- apareció en febrero de 2010. A finales de ese año, Tim comenzó a escribir canciones en colaboración con Nicholas Petersen, otro cantautor de Omaha y juntos formaron el dúo acústico The Foresters, cuyo álbum homónimo se publicó en mayo de 2011 seguido en 2013 de 'The Foresters, Volume II'.

Josh Ritter


Hoy cumple 38 años el cantautor y guitarrista norteamericano nacido en Moscow (Idaho) Josh Ritter. Cuando Josh era adolescente escuchó 'Girl from the North Country' de Bob Dylan y se compró una guitarra. Más tarde cuando se encontraba en la Universidad estudiando para neurólogo escuchó las canciones de Leonard Cohen y Gilian Welch. Esto le decidió intentar dedicarse de lleno a la música.

En 1999 logra publicar su primer disco, 'Josh Ritter', grabado en un estudio de la Universidad. Tras graduarse, viajó a Escocia para estudiar música folk escocesa durante seis meses. De vuelta en EEUU ejerce diversos trabajos, a la vez que actúa por las noches y vende personalmente su álbum a los fans. En una de sus actuaciones conoce a Glen Hansard del grupo dublinés The Frames, quien le anima a acompañarles de vuelta a Irlanda. Josh descubre que allí su álbum se vende muy bien y gracias a las ventas consigue reunir el dinero suficiente para grabar su segundo trabajo, 'Golden Age of Radio', publicado en 2002 de forma independiente.

Jim Olsen, director del sello independiente Signature Sounds de Whately (Massachussetts), tras oir el disco, le ofreció remasterizar el álbum y publicarlo bajo su sello. El tema 'Me & Jiggs' se publicó como single en Irlanda, donde Josh cada vez era más conocido, primero como telonero de The Frames, luego con sus propios shows. Su tercer álbum, 'Hello Starling', debutó en el nº2 de las listas irlandesas.

Los dos años siguientes, Ritter actuó en varios Festivales, como el de Sepomana, Newport Folk Festival y Oxegen 2005, compartiendo cartel y escenario con artistas como Ron Sexsmith y Joan Baez. En 2005 realizó giras con la violinista clásica Hilary Hahn. Su cuarto álbum, 'The Animal Years' se publicó en 2006 y le siguió al año siguiente 'The historical Conquests of Josh Ritter'. Ambos trabajos recibieron excelentes críticas y Josh apareció en los programas de David Letterman en EEUU y Jools Holland en el Reino Unido. Actualmente, y tras la publicación de su sexto álbum, 'So runs the world away' en abril de 2010 y una extensa gira por America y Europa, siguió presentando en directo su trabajo en EE.UU. Su trabajo más reciente, 'The Beast In His Tracks', se publicó en marzo de 2013.