01 abril 2015

Jimmy Cliff


Hoy cumple 67 años el actor, cantante y compositor de pop y reggae Jimmy Cliff, nacido en St. James (Jamaica). Acreditado junto con Marley de jugar un papel fundamental en la introducción de la música reggae en el mundo, Cliff nunca se ganó la reputación mesiánica de su colega. A pesar de que Cliff es bien conocido entre los aficionados al reggae, muy pocos conocen su música más allá de sus temas standard más populares y pese a su tremenda energía y capacidad de trabajo (que ha generado 29 álbumes), tampoco ha logrado con ellos un éxito comercial consistente.

La familia de Cliff desciende de las bandas de esclavos afrocaribeños fugitivos llamadas 'maroons' (cimarrones), que escaparon a determinadas zonas de la parte oeste de la isla. Estas zonas, muy montañosas y con una gran densidad de selva virgen, se convirtieron en un refugio ideal para los esclavos que lograban huir de sus captores españoles y portugueses a comienzos del siglo XVII, formando pequeñas comunidades o bandas que entraron en conflicto con los colonos ingleses que arribaron a la isla tras la derrota española, al mismo tiempo que supusieron un foco de rebelión y resistencia popular y un orgullo para la población afrocaribeña.

Jimmy Cliff
James Chambers, hoy conocido como Jimmy Cliff, nació en una de esas zonas de 'maroons', en la localidad rural de Somerton en el condado de St. James Parish. Fue el segundo de un matrimonio de trabajadores agrícolas. Su madre los abandonó poco después de nacer Jimmy, por lo que fue criado por su padre, que además de trabajar en el campo, también se ganaba la vida como sastre. Jimmy recuerda sus primeras influencias: "Mi padre se pasaba la vida cantando. No teníamos ni radio ni TV. Mi hermano y yo tocábamos la guitarra y la batería y ese era el mejor entretenimiento". Con trece años dejó la escuela y dirigió sus pasos hacia la más cosmopolita Kingston con el fin de estudiar o aprender algo con lo que ganarse la vida. El sabía sin embargo antes de poner el pie en la capital jamaicana que su sueño era triunfar en la música. "Qué se suponía que iba a hacer con mi vida? ¿Trabajar en un campo de bananas? ¿o en uno de caña de azúcar? Llegué a Kingston para asistir a la escuela nocturna y aprender un oficio, pero mi intención real era cantar"

Leslie Kong
Una vez superada su primera etapa de adaptación a la gran ciudad, Jimmy, mientras seguía asistiendo a la escuela nocturna, adoptó su nombre artístico y comenzó a ofrecerse a todos los productores discográficos locales. "Un día pasé frente a un restaurante que además era una tienda de discos y convencí al propietario de que se dedicara a la producción y fundara un sello discográfico, empezando conmigo" No fue tan fácil como lo cuenta. El establecimiento se llamaba Beverley y Cliff, astutamente, compuso una canción con el mismo nombre, 'Dearest Beverley' que tocaba frente a la tienda todos los días, esperando que el propietario del negocio, Leslie Kong se animara a grabarla. Aquel fue el principio del sello 'Beverley's' y de la carrera de Kong, que llegaría a ser el productor musical más importante de la isla. Cliff grabó su primer single, 'Daisy go me crazy' con sólo catorce años y su tercera grabación, 'Hurricane Hattie' fue un hit en Jamaica. Cliff permanecería con Kong hasta la muerte de éste por un infarto en 1971.

Jimmy Cliff
Siguieron otros hits locales como 'King of kings', 'Miss Jamaica' y 'Pride and passion'. En 1964 fue uno de los artistas escogidos por el gobierno de Jamaica como representación y promoción musical del país en la Feria Mundial de Nueva York y en una gira por EE.UU. Al terminar la gira, Cliff fue contratado por Chris Blackwell, presidente de Island Records y se trasladó a Londres. En sólo dos años Jimmy había logrado pasar de patear las calles de Trenchtown a dar los primeros pasos de una carrera internacional en la capital británica. Island intentó colocar a Cliff en el mercado rock, pero no funcionó. Además, Cliff tuvo que enfrentarse al racismo inglés, a un gobierno que quería deportarle y a caseros que no estaban dispuestos a alquilar sus apartamentos a gente que no fuese blanca.

Su eclecticismo musical y cultural le permitió fusionar sus influencias jamaicanas con ritmos y sonidos más urbanos como el R&B y el soul. Aunque los discos que grababa con Island tenían escasa relevancia, con una banda que creó para realizar giras por el circuito de clubs europeos, sí tuvo bastante éxito, sobre todo en los países escandinavos y en Francia, donde sigue teniendo un leal grupo de seguidores. Su primer álbum en el mercado internacional fue 'Hard Road to Tavel' (1968). Contenía la canción 'Waterfall', que ganó el primer premio en un Festival Internacional de la Canción en Brasil. Allí, Jimmy se queda prendado de la cultura brasileña y permanece seis meses escribiendo los temas del álbum que marcaría su despegue internacional definitivo.


En 1969 se publicó el álbum 'Wonderful world, beautiful people', que contenía, además del tema que daba título al disco, 'Many rivers to cross', una de las canciones más frecuentemente asociadas a Cliff, y 'Vietnam', de la que Dylan opinaba que era la mejor canción protesta que había oído en su vida. También por esta época publicó el single que contenía la versión de 'Wild world' de Cat Stevens, que no fue incluida en el álbum y que fue su último hit en EE.UU hasta 1983.

En 1972 fue elegido para encarnar el papel de Ivanhoe 'Ivan' Martin en el clásico film de reggae 'The Harder They Come', dirigido por Perry Henzell. La banda sonora del film fue un gran éxito y fue uno de los primeros discos que comenzaban a llevar el reggae a audiencias internacionales, con temas como 'You can get it if you really want', 'The harder they come' y 'Sitting in Limbo'. Aunque el dinero que obtuvo Cliff por participar en la película no superó los $10.000, su popularidad creció hasta tal punto que pudo afianzar su carrera de artista del reggae. Aún así priorizó sus valores sociales y espirituales y viajó a Africa para explorar las raíces de su raza y su nueva fe musulmana, a la que se había convertido.

Cliff en 'The Harder They Come'
Siguió publicando álbumes, del orden de uno por año, pero ninguno cumplía las expectativas comerciales de los mercados americano y británico. Su preferencia por la cultura africana como reafirmación de sus orígenes y su conversión al Islam fueron interpretados por muchos de sus críticos como un rechazo a la cultura afro-caribeña lo que tampoco ayudó que su música fuese apreciada por los puristas del reggae y los círculos culturales jamaicanos. Sin embargo, Cliff pronto comprobó que su público estaba fuera de los grandes mercados americanos y británicos, descubriendo como en países como Nigeria, Sudáfrica, Brasil, Suecia y la entonces Unión Soviética el jamaicano era inmensamente popular. Su álbum más destacado de los que produjo en la segunda mitad de la década de los setenta fue 'Give Thankx' (1978), con temas como 'Bongo man', 'She is a woman' o 'Footprints'.

'The Power and the Glory' (1984)
En 1984 Cliff regresó a Jamaica, donde seguía manteniendo residencias en Kingston, Montego Bay y Somerton. Continuó con su eterno eclecticismo, mezclando la ética de la vida rastafari con los ideales del Islam, viviendo a caballo entre Jamaica y el Reino Unido y cultivando sus mercados en África y en la Europa continental. Su álbum 'The Power and the Glory' (1984) fue su mayor éxito en EE.UU después de 'The harder they come'. Mejor recibido aún fue su trabajo en Europa, donde realizó una exitosa gira de 41 conciertos. El single 'Reggae night' fue disco de oro en Francia y un gran éxito en las pistas de baile europeas.

Su siguiente álbum, 'Cliff Hanger' (1985) fue merecedor de un Grammy, siendo su mayor éxito en EE.UU. hasta 1993 con temas como 'Sunrise', 'Arrival' y 'Brown eyes'. En 1986 contribuyó con su voz en los coros del álbum 'Dirty Work' de los Rolling Stones y dos años después se incluyó su canción 'Shelter of your love' en el film 'Cocktail'. En 1993 consiguió otro nº1 en Francia y un Top20 en Estados Unidos con su versión de 'I can see clearly now' de Johnny Nash, que fue incluida en la banda sonora de la película 'Cool Runnings'. En 1995 grabó con Lebo M el tema 'Hakuna Matata' de la banda sonora de 'El Rey León'.

En 2002, Cliff presentó su nuevo disco en Europa, 'Fantastic Plastic People'. En este trabajo hay colaboraciones de Joe Strummer, Annie Lennox y Sting, así como nuevas canciones muy evocadoras de los viejos éxitos de Cliff. En 2004, Cliff da un giro a su música introduciendo ritmos electrónicos, para su álbum 'Black Magic'.

A finales de 2011 publicó el EP 'Sacred Fire', producido por Tim Armstrong y grabado con aparatos vintage, con temas como 'A hard rain's a-gonna fall', 'Guns of Brixton', 'Ruby Soho' o 'Ship is sailing'. Actualmente sigue activo realizando giras y el año 2012 publicó su trabajo más reciente, el álbum 'Rebirth', por el que recibió el Grammy a 'mejor álbum reggae. Alcanzó el puesto 83 de las listas inglesas y el 76 de las americanas, convirtiéndose en el trabajo de Cliff mejor posicionado en los rankings de ventas de toda su carrera.

30 marzo 2015

Norah Jones


Hoy cumple 36 años la pianista, cantante, compositora y actriz norteamericana Norah Jones, nacida en Brooklyn (Nueva York). En el año 2002 el éxito y la celebridad en el mundo de la música la tomaron por sorpresa cuando gracias a su álbum debut 'Come away with Me', obtuvo cinco premios Grammy. Hasta la fecha Norah ya ha ganado cuatro gramófonos más y las ventas de sus discos superan la cifra de los 50 millones.

Nacida de una relación que su madre -promotora musical- mantuvo con el artista indio Ravi Sankhar, se crío en Grapevine (Texas), adonde su madre se trasladó a trabajar como enfermera poco después de nacer Norah. Tuvo escaso contacto con su padre y no fue realmente consciente de quien era hasta que cumplió los 18 años. Gracias a la colección de discos de su madre, además del pop que escuchaba por la radio, Norah tuvo acceso a la música de grandes cantantes como Aretha Franklin y Etta James así como de la cantautora Joni Mitchell. Con cinco años Norah ya cantaba en el coro de la iglesia y seguidamente aprendió a tocar el piano. En la Grapevine High School formó parte de la banda escolar donde tocaba el saxofón y ya en Dallas, en la Booker T Washington Shool for the Performing and Visual Arts enfocó su interés en el jazz ganando premios amateurs como mejor vocalista y compositora de jazz.

Estudió piano de jazz en la Universidad del Norte de Texas y los fines de semana tocaba standards en restaurantes y pubs, en los que adquirió gran destreza coordinando su voz con el piano. Tras dos años de estudios en la Universidad, Jones viajó a Nueva York para intentarlo en la gran ciudad. Se mudó al apartamento de una amiga y trabajaba durante el día de camarera para costearse la manutención. Por las noches actuaba en pequeños clubs de Greenwich Village donde entró en contacto con otros artistas. Realizó algunas grabaciones como pianista de sesión pero al cabo de un año sin conseguir un contrato para grabar comenzó a desesperar y pensó volver a Dallas. Fue su madre quien la animó a quedarse a seguir intentándolo: "Mi madre me dijo: 'Por mucho que desees volver a casa, deberías quedarte. Si no, te sentirás una fracasada".

Norah y Arif Mardin
Continuó tocando en pequeños clubs de Nueva York y la noche de su 21 cumpleaños un empleado de Blue Note se fijó en ella y se la recomendó al director ejecutivo del sello Bruce Landvell quien, tras oirla, la fichó de inmediato. Landwell opinaba en una entrevista de Time: "Esa chica posee una voz que va directa al corazón. Cuando eres tan afortunado de tener el privilegio de oir algo así, no lo dudas. Firmas inmediatamente". Landvell no pierde el tiempo y pone en marcha el primer álbum de Jones y la deja en manos del productor Arif Mardin, profesional de gran experiencia con artistas como Aretha Franklin y Dusty Springfield. Mardin no complica la producción y mantiene la voz y el piano de Norah en primer plano. El resultado es un álbum con standards de jazz, canciones originales de Jones y un tema de Hank Williams, 'Cold cold heart':


'Come away with me' se publica en febrero de 2002 y a finales de años el álbum se había colado en diversas listas de favoritos del año y revistas como Rolling Stone y Entertainment Weekly destacan a Norah como artista emergente. El álbum es multiplatino ante el asombro de Jones. "Nunca jamás, ni en las ensoñaciones más fantásticas pude imaginar una cosa igual. Ya ves lo que se ve habitualmente por TV. Yo no soy una gran bailarina y no pienso enseñar el ombligo para triunfar"

Mayor asombro sintieron Jones y los directivos de Blue Note cuando el álbum recibió ocho nominaciones al Grammy. Ella solita ganó cinco y los tres restantes fueron a parar al autor del tema que dio título al álbum, Jesse Harris, al productor Arif Mardin y a los ingenieros de grabación Jay Newland y S.Husky Höskulds. Tanto éxito repentino no le resultó confortable a Jones, que confesaba en Rolling Stone: "No quería firmar con un sello de pop porque sabía lo que significaba. No deseaba estar obligada a hacer videos, ni siquiera esperaba vender millones de copias. En realidad no deseaba ser famosa." 

Su segunda entrega, 'Feels Like Home' (2004), también producida por Mardin, vendió un millón de copias en la primera semana de salir a la venta y con más de 12 millones de copias vendidas hasta la fecha es uno de los álbumes más vendidos del nuevo milenio. El disco contiene esta vez menos versiones y más canciones compuestas o co-escritas por Jones como 'Sunrise' y 'What I am to you'. El año 2005 participó en el álbum de duetos de Ray Charles, 'Genius loves company' (el último que grabó el genial pianista y cantante) cantando con Charles el tema 'Here we go again', que recibió un Grammy por 'mejor disco del año'.

En enero de 2007 apareció su tercer álbum, 'Not Too Late', producido esta vez por Lee Alexander (coautor de muchos de sus temas), debido a la muerte de Arif Mardin en verano de 2006. Fue nº1 en 20 países con temas como 'Thinking about you', 'Not too late' y 'Sinking soon'. Jones fue ese año una de las primeras artistas de primera fila que puso sus temas a la venta a través de la red en formato mp3 descargable. También en 2007 se estrenó como actriz en el film 'My Blueberry Nights', dirigida por Wonk Kar Wai y en la que compartía protagonismo con Jude Law, David Strathairn, Rachel Weisz y Natalie Portman.

El año 2009 publicó su cuarto álbum de estudio, 'The Fall', el único de sus álbumes hasta la fecha que no ha logrado alcanzar el nº1 en EE.UU., quedándose en el puesto nº3. En 'The Fall' trabaja con el productor Jacquire King, famoso por su labor con músicos como Tom Waits, Kings of Leon y Modest Mouse, entre otros. El resultado es un cambio en la dirección musical de Jones, experimentando con nuevos sonidos. Se extraen los singles 'Chasing pirates', 'Young blood', 'Stuck' y 'It's gonna be'.

En abril de 2012 apareció su más reciente álbum hasta la fecha, 'Little Broken Hearts' al que precedió como adelanto el single 'Happy pills'.
En 2013 publicó un álbum conjunto con Billie Joe Armstrong, guitarrista y cantante de la banda Green Day, llamado 'Foreverly', en el que interpretan canciones tradionales del folk americano realizando una reinterpretación del álbum que grabaron los Everly Brothers en 1958 con el título 'Songs Our Daddy Taught Us'



Canciones con historia:  'Dont Know Why'

Es una leyenda viva. Pese a ello Ravi Sankhar, el mundialmente famoso intérprete de sitar siente nervios de novato. El músico indio de 82 años apareció en los míticos festivales de Monterey y Woodstock y los Beatles y los Stones recibieron lecciones de él, por lo que no tiene porqué estar nervioso. Pero esa noche del año 2003 no están en juego ni su arte ni su capacidad profesional.

Anoushka Shankar
Su hija de 21 años Anoushka está nominada a un Grammy bajo la categoría de 'World Music'. Anoushka es su mejor discípula y su padre no desea otra cosa en el mundo que su hija sea premiada por su arte con el sitar. Pero las cosas no salieron como él esperaba y Anoushka se va de vacío. La cantante Norah Jones (dos años mayor que ella) le roba el show y recoge nada menos que cinco Grammy, entre ellos el de Mejor Canción del Año por 'Don't know why'. Y es que Norah no sabe porqué Ravi no se alegra con su triunfo.

Norah y sus 5 Grammy
Al fin y al cabo ella también es su hija, aunque bastarda y con contadísimos encuentros mutuos en los últimos veinte años. Norah creció en el estado de Texas junto a su madre Sue Jones, que mantuvo una relación de nueve años con Ravi Shankar. La relación acabó de forma tormentosa poco después del nacimiento de Norah, y Shankar se casó a continuación con Sukanya Rajan, la madre de Anoushka.

Norah y Anoushka
Al cumplir Norah dieciocho años, conoció por primera vez a su hermanastra. Ambas se entienden a la perfección y de vez en cuando se reúnen para tocar juntas el piano. Incluso han grabado juntas un tema, 'Easy', en 'Breathing Under Water' (2007) de Anoushka y Karsh Kale. En diversas entrevistas, Norah negó haber omitido el nombre de su padre a propósito en los agradecimientos posteriores a la entrega de los premios Grammy. Se limitó a mencionar a las personas que le habían ayudado en el día a día. Aseguró que la relación con su padre (fallecido en 2012) era buena y rogó que siguieran teniendo en cuenta a Ravi Shankar como el gran músico que era y no por su vida privada. En la página oficial de Shankar no hay ni una sola referencia a Norah Jones. En cambio hay un enlace directo hacia la página de Anoushka, que en India es tan popular como su padre.

Tracy Chapman


51 años cumple hoy la cantautora folk rock norteamericana Tracy Chapman, nacida en Cleveland (Ohio) y ganadora de cuatro premios Grammy.

Durante sus estudios universitarios, Chapman comenzó a tocar en la calle y en cafés de la ciudad de Cambridge en Massachusetts. Una vez graduada, fichó por la compañía Elektra Records, lanzando el disco 'Tracy Chapman' en 1988. El álbum fue muy bien acogido por la crítica, y Tracy comenzó una gira durante la cual captó a un gran número de fans. Tras su actuación en el concierto homenaje a Nelson Mandela, la canción 'Fast car' comenzó a subir en las listas americanas hasta alcanzar el Top 10. El álbum alcanzaría grandes ventas llegando a disco de platino y Tracy lograría tres premios Grammy en la edición de ese año.

Su segundo álbum, 'Crossroads' lanzado en 1989 tuvo menos éxito comercial que su predecesor y para el siguiente 'Matters of the Heart', Chapman preparó una gira en recintos de poca capacidad para recalcar el aire intimista del disco. Cuando ya todo el mundo daba por finalizado su buen  momento, para sorpresa de la industria musical su cuarto álbum 'New Beginning', fue todo un éxito que llegó a vender 3 millones de copias tan sólo en EEUU.


Este álbum incluía el hit 'Give me one reason' (1995) que ganó el Grammy a la mejor canción de Rock del año y se convirtió en el single de mayor éxito de Chapman hasta la fecha.

Su siguiente trabajo, 'Telling Stories', editado en el año 2000, supuso un giro hacia el rock frente al sonido folk dominante en los discos precedentes. Su álbum más reciente, 'Our Bright Future' (2009), es el octavo de su discografía y también fue nominado al Grammy.


Canciones con historia: "Talkin' Bout A Revolution"

Para su octavo cumpleaños Tracy Chapman recibe como regalo una guitarra acústica. La pequeña se revela como una talentosa intérprete y no se separa de su guitarra ni en sus tiempos universitarios, en los que ayuda a financiarse sus estudios de etnología, tocando como música callejera en galerías comerciales. Sin necesidad de equipos técnicos complicados, su guitarra acústica está siempre dispuesta al minuto. 

Una circunstancia que le sería de gran ayuda cuando dos años después de graduarse, consigue centrar la atención internacional hacia su música. Es una artista prácticamente desconocida cuando actúa el 11 de junio de 1988 en el estadio de Wembley. Armada únicamente con su guitarra acústica, se desliza entre los gigantes del rock y el pop que se han reunido allí para festejar el setenta cumpleaños de Nelson Mandela. 

Cuando de forma imprevista, la actuación de Stevie Wonder ha de ser pospuesta, debido a un robo de parte de su equipo, los responsables de la organización le ruegan a Tracy que ocupe de nuevo el escenario. Una actuación con sólo una voz y guitarra acústica no precisa de mayores cambios. A millones de espectadores se les graba ese día en la memoria la imagen de una joven cantautora, que, acompañada de su guitarra canta acerca de una revolución...

Eric Clapton


Hoy cumple 70 años el guitarrista británico Eric Clapton, uno de los nombres fundamentales de la historia del rock y uno de los más importantes e influyentes guitarristas de todos los tiempos.
En la ceremonia de entrega de los Grammy de 1993, Eric Clapton tuvo pocas oportunidades de permanecer sentado. Recibió seis trofeos a lo largo de la velada por su single 'Tears in Heaven' y el álbum 'Unplugged'. Fue como un acto de reconocimiento al veterano músico que ha representado desde los años sesenta una brillante estrella en el firmamento del blues-rock y ha atravesado una serie de tragedias personales en su carrera como graves adicciones a heroína y cocaína, alcoholismo, rupturas sentimentales y pérdidas de seres queridos. Sin embargo ha logrado mantener una elegancia singular y una devoción por la autenticidad emocional que su música es capaz de transmitir. Como dijo de él B.B. King: "Cuando él toca, se siente el blues". Al fin y al cabo su vida estuvo llena de los acontecimientos que conforman el material para un buen blues.

Eric Clapton nació como hijo ilegítimo un 29 de marzo de 1945 en Ripley, Surrey (Inglaterra), cuando la Guerra Mundial enfilaba el final. Su madre lo dejó al cuidado de sus abuelos, Rose y John Clapp, con quienes creció pensando que eran sus padres hasta que, teniendo Eric nueve años, su madre volvió al hogar. Pretendían hacerle creer que era su hermana pero terminó descubriendo la verdad por fuentes ajenas a la familia. "Para mí fue un shock que arrastré durante mi adolescencia y aquello me convirtió en la persona que soy ahora, introvertido e inseguro y obsesionado con impresionar al público o ser el mejor en determinados campos". Fue en su adolescencia cuando escuchó por primera vez el sonido del blues proveniente de Estados Unidos y de inmediato se sintió íntima y profundamente conectado a él. Cuando cumplió los trece años, recibió como regalo una guitarra acústica de cuerdas metálicas fabricada en Alemania. Fracasa en su primer intento y durante un tiempo, pierde el interés en aprender.
La voz del bluesman del Delta Robert Johnson y más tarde el blues eléctrico de Muddy Waters, entre otros, fueron el acicate para que Eric se decidiera a intentarlo de nuevo dos años después. Esta vez le dedica horas y horas estudiando las progresiones de acordes de blues y practica incansablemente con su guitarra y un pequeño grabador de bobinas portátil, en el que va registrando sus progresos.

Clapton (izq) con los Roosters
Con 16 años Clapton (que ya había dejado de lado los estudios) empieza a ser conocido en los círculos musicales por su talento y destreza con el instrumento. En 1962 comienza a tocar en los pubs de Surrey con otro entusiasta del blues, David Brock, y con 17 años se enrola en su primera banda, The Roosters, con Tom McGuinness como segundo guitarra. Permanece con ellos hasta agosto de 1963 y tras un breve estancia con Casey Jones & the Engineers, es invitado a unirse a The Yardbirds, grupo pionero de R&B británico, que había logrado ocupar el lugar que los Rolling Stones habían dejado vacante en el club de jazz Crawdaddy de Richmond dirigido por Giorgo Gomelski.

Clapton (dcha) con The Yardbirds
Año y medio más tarde, con el cínico desdén que daba la visión retrospectiva, Clapton declaró: "Oí que este grupo estaba interesado en que me uniera a ellos. Fui hasta el Crawdaddy, entré y pensé: 'Qué es ésto?'. Estaban tocando cosas como 'Can't judge a book', una especie de R&B rutinario. Eran como marionetas de R&B. No sé por qué, pero pensé que me esperaba un trabajo bastante tirado si me unía a ellos" En el período de 18 meses que pasó con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de 'slowhand' (mano lenta). Durante los conciertos, cuando a Eric se le rompía una cuerda de la guitarra, dejaba de tocar y la sustituía al instante sobre el escenario. El público británico tomó la costumbre de acompañar la espera con unas palmas lentas (slow handclap) a modo de ritual y fue Giorgio Gomelski quien realizando un hábil juego de palabras acuñó el apodo que hacía una referencia irónica a la extraordinaria habilidad y rapidez de ejecución de Clapton.


Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda realizó una gira con Sonny Boy Williamson II; de la cual saldría el álbum 'Sonny Boy Williamson and The Yardbirds'.

Sonny estaba encantado con ellos: "Estos chicos tocan de una manera tan fascinante que me hacen llorar. Disfruto oyéndoles cantar blues; hacen que me sienta contento. En los Estados Unidos no tenemos muchachos blancos que canten blues." En el álbum 'Five Live Yardbirds' (1964) recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.

Pero la necesidad de obtener un hit de la banda les lleva a grabar un tema escrito por Graham Gouldman, 'For your love' con un enfoque claramente comercial. Efectivamente, el single alcanza el Top5 británico en marzo de 1965. Esto desagrada a Clapton que se encuentra en los inicios de su cruzada personal por el blues y abandona el grupo, no sin antes recomendar a Jimmy Page como su sustituto. Sin embargo Jimmy, que tenía un gran éxito trabajando como guitarrista de sesión declinó la oferta recomendando a su vez a Jeff Beck, que sería finalmente el sustituto de Clapton en los Yardbirds.

Clapton (dcha) con The Glands
Cuando John Mayall, líder de los Bluesbreakers supo de la disponibilidad de Clapton, se apresuró en incorporarle a su banda. Reacio al principio a volver a una experiencia de grupo, la oferta musical de Mayall -muy comprometida con el blues- y su liderazgo (la antítesis de la caótica falta de dirección de los Yardbirds) sedujeron al guitarrista. Sin embargo a los pocos meses Clapton dejó el grupo para embarcarse en un viaje a Grecia para tocar con unos amigos como The Glands en una serie de night-clubs helenos. Planeado como unas vacaciones en el Mediterráneo, acabó siendo un calvario de contratiempos y actuaciones mal pagadas en lugares inadecuados.

El día que Clapton regresó a Inglaterra, le faltó tiempo para contactar con Mayall. El batería de los Bluesbreakers, Hughie Flint, recuerda: "Creo que Eric llamó a John y le dijo: 'Hola, estoy de vuelta'; y John dijo: 'Oh muy bien, ¿quieres recuperar tu antiguo empleo?'. Así que al pobre chico que tocaba entonces la guitarra (Jeff Kribbet) se le agradecieron los servicios prestados y Eric se reintegró al grupo".  Fue en esta segunda fase con los Bluesbreakers de Mayall cuando Clapton se hizo de verdad un nombre para sí mismo y, de paso, a los Bluesbreakers como grupo elevando la categoría del guitarrista hasta convertirse en ídolo popular.

De ésta época data la famosa frase 'Clapton es Dios', captada en una famosa fotografía de una pintada callejera, que el posterior marketing se ha encargado de rescatar e inmortalizar. "Cuando volvió" -comentaba Flint- "empezamos a ir de éxito en éxito. Era el show de Eric Clapton, no el del los Buesbreakers de John Mayall. Eric constituía una atracción increíble para la banda. Cada vez lo hacía mejor. Era como oir a Charlie Parker con Jay McShann. Uno sabe que hay un genio escondido en medio de aquel cenagal de sonido más bien naif. Desde el primer momento me dejó boquiabierto, porque tocaba blues como antes sólo se lo había oído tocar a los negros"



Sin embargo, Clapton no estaba satisfecho. En una entrevista de 1966 dijo: "No creo que haya sitio aquí para mí mucho tiempo. Nada en mi música es inglés; tiene sus raíces en Chicago. Yo represento lo que está pasando en Chicago en este momento, en todo caso, lo mejor que puedo, porque es difícil importar todos los discos..., de todas maneras, pienso que la única salida es ir a América. Formar una banda de blues en Inglaterra es como darse con la cabeza en una tapia de ladrillos. Nadie quiere hacerlo, nadie quiere grabarlo."

Clapton en 1966
En julio de 1966 se grabó el álbum 'Blues Breakers with Eric Clapton', (también llamado el 'Beano album' por el comic que sostiene Eric entre las manos) en el que se le daba todo el protagonismo a los solos de Clapton e incluía el tema 'Double crossing time', co-escrito con Mayall. Durante las sesiones de grabación del álbum con los Bluesbreakers, Eric conoció al bajista Jack Bruce, que compartía con él su pasión por el blues. Cuando el álbum salió a la venta, Clapton ya había abandonado los Bluesbreakers y se supo que llevaba semanas ensayando con Bruce y el batería Ginger Baker en su proyecto Cream. En el texto de la carpeta del disco Neil Slaven escribió entonces con ironía (y clarividencia): "Mucha gente se ha preguntado por qué dejó Eric a los Yardbirds en el momento en que empezaban a pegar fuerte. Pero Eric tiene un camino ineludible que recorrer, que en su momento le llevó a los Bluesbreakers, como sin duda le conducirá a algún otro lugar en el futuro"

Baker, Clapton y Bruce
Cream, también llamado entonces 'grupo de grupos', significó un cambio de dirección en el rock. Fusionando el blues eléctrico con la psicodelia y las improvisaciones jazzísticas, lograron un resultado que,como muchos críticos afirman, sentó las bases del rock progresivo y el heavy metal que surgirían después. Clapton compuso con el trío el clásico 'Sunshine of your love', inspirado en la primera vez que vio a Hendrix en directo y grabó la no menos clásica versión de 'Crossroads', original de su ídolo Robert Johnson. En una entrevista de 1985 a Rolling Stone, Clapton afirmó: "Éramos tres virtuosos, haciendo solos constantemente y a la vez".

'Goodbye' (1969)
En sus dos años de vida, Cream publicó cuatro álbumes: 'Fresh Cream' (1966), 'Disraeli Gears' (1967), 'Wheels of Fire' (1968) y 'Goodbye' (1969) con temas como 'I feel free', 'White room', 'Born under a bad sign', 'Strange brew', 'Spoonful', 'I'm so glad' o 'Toad'. En 1968 se produjo la ruptura oficial del grupo cuya intensa química inicial se vio disminuida por el abuso de las drogas que además hicieron intolerables las relaciones personales entre Clapton y Bruce. En aquel tiempo Eric había trabado amistad con George Harrison, que colaboró con él co-escribiendo y tocando la guitarra en el tema 'Badge', incluido en el último álbum del supertrío.

Eric Clapton y George Harrison
Clapton le devolvió el favor tocando la guitarra solista en el tema 'While my guitar gently weeps', grabado para el doble álbum 'blanco' de los Beatles y siendo esta la primera vez que un músico ajeno al cuarteto participaba en una grabación. Su relación con Harrison, aunque tempestuosa, sería una constante en su vida. El éxito de los numerosos grupos de imitadores que surgieron en el vacío creado por la desaparición de Cream demostró cuán grande había sido su labor en el campo de la música rock y cómo se dejaba sentir su ausencia. Muchos de sus seguidores argumentan que ninguno de los tres volvió a igualar sus logros con Cream, una devoción que puede resultar cegadora.


Tras la ruptura de Cream, Clapton y Baker se unieron a Stevie Winwood, que provenía de Spencer Davis Group y Traffic y Rick Grech (ex-Family) para formar otro 'supergrupo', Blind Faith. La banda se disolvió tras una gira y un álbum y aunque Clapton nunca llegó a estar satisfecho del resultado, temas como 'Presence of the Lord' y 'Can't find my way home', son actualmente considerados clásicos del rock.

'Eric Clapton' (1970)
A continuación realizó giras acompañando a Delaney and Bonnie and Friends, grupo que solía abrir las actuaciones de Blind Faith. Con miembros de Delaney and Bonnie y una serie de músicos de sesión (que incluían a Leon Russell y Stephen Stills), Clapton grabó su primer álbum en solitario, titulado simplemente 'Eric Clapton' (1970). En él se incluían dos de sus temas más populares y solicitados en sus conciertos 'Let it rain', co-compuesto con Bonnie y Delaney Bramlett y 'After midnight' de J.J. Cale.

Clapton en 1970
Pero Clapton, algo desorientado tras la disolución de Cream, cae bajo la influencia de dos sustancias muy adictivas: la heroína y la cocaína. Sus actuaciones se vuelven caóticas y megalómanas. Entre sus fans más críticos se oyen comentarios como "Si Clapton quiere perder su corona a manos de otro joven intérprete de la guitarra no tiene más que seguir por el mismo camino", o "Tras verle en directo, ofreciendo el aspecto de un Elvis degradado y tocando rock and roll disfrazado, salí sintiéndome aburrido, sorprendido y hastiado de la gente que aplaude al nombre y no la música."

'Layla' (1970)
Sin embargo, en plena adicción logra formar con la ayuda de Bobby Whitlock otra banda de corta pero intensa vida: Derek and the Dominos, con los que graba un extraordinario doble álbum y uno de sus mejores trabajos: 'Layla and other assorted love songs'. En el contó con la colaboración de Duane Allman, cuyo trabajo inspiró y espoleó a Clapton. La contribución de Allman fue vital. No sólo llevó a cabo una de las más bellas interpretaciones a la slide guitar de la historia del rock, sino que arrastró a Clapton a uno de sus más brillantes trabajos guitarrísticos. Sus dúos registrados en las numerosas sesiones del álbum (publicadas veinte años después como 'The Layla Sessions') son inolvidables.

Pattie Boyd, 'Layla'
El doble LP incluía un tema que se convertiría en uno de los himnos de los años setenta: 'Layla', una desesperada canción de amor, en la que confesaba públicamente su amor por Pattie Boyd, la esposa de su amigo George Harrison, de quien se había enamorado durante las sesiones de 'All things must pass', el primer trabajo del ex-Beatle en solitario. 'Layla' era el apodo con el que Clapton conocía a Pattie y la letra no dejaba lugar a dudas:

Traté de consolarte
cuando tu hombre te dio de lado,
como un loco me enamoré de tí,
tú transformaste todo mi mundo.
Layla, me tienes de rodillas;
Layla, estoy implorándote, querida, por favor;
Layla querida, no quieres aliviar mi atormentada mente.
Vamos a resolver la situación lo mejor posible
antes de que me vuelva loco.
No digas, por favor, que nunca encontraré la manera,
y que todo mi amor es en vano.

Townshend y Clapton en 1973
La sorpresiva falta de éxito comercial del disco, el abuso de las drogas y la fatiga producida por las giras hizo que el grupo se separase antes de grabar un segundo álbum. Posteriormente las muertes de Allman y Hendrix le produjeron una gran impresión. "Cuando Jimi murió, lloré todo el día. Me había dejado solo". Los tres años siguientes, Clapton, preso de sus adicciones y sus inseguridades se recluyó, apareciendo sólo esporádicamente en el concierto de Bangla Desh (al que acudió en un estado de salud lamentable) y en un concierto de Londres celebrado en 1973 en el Rainbow Theatre, organizado por Pete Townshend con el fin de reavivar la carrera del guitarrista. Clapton le agradecería el gesto encarnando el papel del predicador en el film 'Tommy'.


Por fin, en 1974, libre de su adicción a la heroína gracias a la acupuntura, volvió a un estudio para grabar el álbum '461 Ocean Boulevard' y asimismo logró comenzar su relación con Pattie (separada ya de George), que culminaría en boda unos años después.

Clapton y Pattie Boyd
El nuevo álbum contenía una versión de un reggae de Bob Marley, 'I shot the sheriff', que no solo supuso el despegue del género jamaicano en el mundo sino también el primer y único nº1 de la carrera de Eric Clapton. Le siguieron una serie de álbumes irregulares como 'There's One In Every Crowd' (1975), 'No Reason To Cry' (1976), 'Slowhand' (1977) y 'Backless' (1978), destacando 'Slowhand' con temas como 'Cocaine', 'Lay down Sally' y 'Wonderful tonight', otro magnífico tema inspirado por Pattie, que en 1979 se convirtió por fin en su esposa y con la que logró mantener una relación de nueve años.

'Just One Night' (1980)
En 1980 publicó el extraordinario doble álbum en directo 'Just One Night', grabado en el Budokan Theatre de Tokyo que alcanzó el Top5 de las listas de álbumes tanto en EE.UU. como en el Reino Unido. Pero Clapton tuvo que luchar contra otro de sus fantasmas interiores. En 1982 reconoció su alcoholismo e ingresó en un centro de tratamiento de Center City, en Minessota. "En los peores momentos de mi vida la única razón por la que no me suicidé fue porque pensé que si moría no sería capaz de seguir bebiendo. Creía que era lo único por lo que merecía la pena vivir y la idea de que la gente intentara apartarme de la botella provocaba que bebiera más y más, hasta que literalmente tuvieron que llevarme a la clínica"

'August' (1986)
En 1984 publicó lo que el denominaría más tarde su álbum 'más forzado': 'Money and Cigarettes', llamado así "porque eso es todo lo que veía que me habían dejado". Fue un éxito en EE.UU pero no fue bien recibido en el Reino Unido, donde no alcanzó el Top50. Superadas sus adicciones, continuó publicando trabajos en los años ochenta, incluidos dos producidos por Phil Collins, 'Behind the sun' (1985) y 'August' (1986), ambos con gran éxito en el Reino Unido con temas como 'Forever man' y 'She's waiting'. Irónicamente, regrabó 'After midnight' para cederla como canción publicitaria a una marca de cervezas.

Clapton, Conor y Lory Del Santo
Pero su relación con su amada 'Layla' no funcionaba (quizás por la incapacidad de Pattie de tener hijos) y Eric buscaba consuelo en otras. En 1985 nació su hija Ruth de una relación que sostuvo con Yvonne Kelly. La existencia de la niña se mantuvo en secreto oficialmente hasta 1991. En 1988, tras su affaire con la modelo italiana Lory Del Santo, con la que tuvo otro hijo, Conor, en 1986, Pattie solicitó el divorcio alegando 'infidelidades y comportamiento irracional'. Entre las múltiples conquistas de Clapton a lo largo de su vida se cuentan Krissy Wood (ex- de Ron Wood), Paula Boyd (hermana de Pattie), Janis Joplin, Marianne Faithful, Rosanne Cash, Yvonne Elliman, Geraldine Edwards (la groupie que inspiró el personaje Penny Lane del film 'Casi Famosos'), Sharon Stone, Patsy Kensit, Sheryl Crow y Carla Bruni.

'Journeyman' (1989)
En 1987 colaboró con Keith Richards y Chuck Berry en el concierto filmado 'Hail Hail Rock and Roll!'. En 1989 su álbum 'Journeyman', fue un nuevo éxito en el Reino Unido y es según Eric uno de sus trabajos favoritos. En él colaboraron George Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones de Foreigner, David Sanborn y Robert Cray. Los primeros años de la década de los 90 fueron especialmente trágicos para Eric Clapton. El 27 de agosto, su compañero Stevie Ray Vaughan, con el que estaba de gira, y dos de sus técnicos de gira murieron en un accidente de helicóptero durante el traslado entre conciertos.

Conor y Eric
Después, el 20 de marzo de 1991, su hijo Conor, que contaba con cuatro años de edad, murió al caer de un piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre. "Me quedé en blanco", declaró años más tarde a Rolling Stone, "era como una piedra y quería estar alejado de todo el mundo". Gracias a sus reuniones de Alcohólicos Anónimos y el soporte personal de amigos como Keith Richards y Phil Collins, logró transformar su crisis y su pena en arte componiendo el tema 'Tears in heaven' como tributo a su hijo fallecido.


El tema, grabado para la banda sonora de la película 'Rush', se incluyó en el álbum que recogió su actuación en el programa MTV, 'Unplugged', que asimismo contenía una versión acústica de 'Layla'. Los dos temas fueron grandes hits e impulsaron el álbum al Top10 de las listas americanas. Eric obtuvo los seis premios Grammy a los que hacíamos mención al principio.

Clapton y B.B. King en 1999
Continuó publicando excelentes álbumes como 'From the cradle' (1994) con sus versiones de viejos standards del blues o el introspectivo 'Pilgrim' (1998) en el que rememora en 'Circus' el último día que pasó en el circo con su hijo Conor. En el nuevo milenio, publicó un álbum ganador del Grammy al mejor álbum de blues tradicional. 'Riding with the King' (2000) fue una colaboración musical de Clapton con el 'rey' B.B. King en el que ofrecen versiones de clásicos del bluesman de Mississippi como 'Ten long years' y 'Three o'clock blues'.

Clapton y Dhani Harrison en 2002
Dos años después participó en el Concert for George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. Clapton ejerció de director musical y tocó junto a Dhani Harrison y numerosos amigos del ex-Beatle fallecido como Paul McCartney, Ringo Starr, Jeff Lynne, Tom Petty and the Heartbreakers, Ravi Shankar, Gary Brooker, Billy Preston y Joe Brown, entre otros. En 2004 rindió tributo a otro de sus héroes con el álbum 'Me and Mr. Johnson' y fue condecorado con la Orden del Imperio Británico.


Al año siguiente se reunió con sus compañeros de Cream y realizaron una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres y el Madison Square Garden de NYC.

J.J. Cale y Clapton
En 2006 colabora con uno de sus compositores favoritos, J.J. Cale, autor de 'Cocaine' y 'After midnight', y graba con él 'The Road to Escondido'. Ese mismo año dona varias de sus guitarras para una subasta en beneficio de una organización de ayuda a drogodependientes y alcohólicos llamada Crossroads Center Antiqua que Clapton ayuda a fundar. Entre las guitarras se encontraba 'Blackie', una Fender Stratocaster negra que el músico usó en la mayoría de sus conciertos de los años setenta y ochenta. 'Blackie' alcanzó en la subasta el valor de un millón de dólares y fue adquirida por la cadena de tiendas de instrumentos norteamericana Guitar Center.

'Old Sock' (2013)
En 2010 apareció 'Clapton', que contiene versiones de clásicos del cancionero americano como 'Rocking chair' de Hoagy Carmichael, 'How deep is the ocean' de Irving Berlin y 'Autumn leaves' de Johnny Mercer y Jacques Prévert, mezcladas con clásicos del blues y jazz de Nueva Orleans. Recibió magníficas críticas y el álbum fue Top10 en EE.UU y el Reino Unido y Top5 en países como Austria, Dinamarca, Alemania, Noruega, España y Suiza. El 12 de marzo de 2013 se publicó 'Old Sock' y en julio de 2014 apareció su trabajo más reciente: 'The Breeze: An Appreciation of JJ Cale' acreditado a Eric Clapton & Friends y dedicado a su amigo y colaborador fallecido un año antes. En él, músicos como Tom Petty, Mark Knopfler, Don White, Willie Nleson y Christine Lakeland se unen a Clapton para homenajear al guitarrista de Oklahoma.